Il Pozzo di Ananke

20 gennaio 2009 - Quattro Quarti di Luna

sceneggiatura Officina Teatrale degli Anacoleti

Regia di Antonio Rosti

“Quattro Quarti di Luna” rappresenta uno spettacolo assolutamente inedito per la scena teatrale italiana: interamente prodotto, realizzato e sceneggiato dagli autori dell’Officina Teatrale degli Anacoleti, mostra una testimonianza dell’uomo Cesare Pavese, scevra di glorificazioni e agiografie, anzi imperniata piuttosto sulla “messa a nudo” delle debolezze ed ossessioni che sfociarono nell’irrisolutezza della sua stessa esistenza. Quell’irrisolutezza da cui solo potevano scaturire le liriche e i diari, i ricorrenti “viaggi di ritorno al paese” descritti in molteplici racconti.

A ritroso, dalla desolata stanza dell’Albergo Roma, sul palcoscenico si snoderanno le relazioni vissute dallo scrittore piemontese, con l’amico Nuto che rappresenta il contraltare della concretezza contadina, con Sturani, con lo stesso Lajolo che fu il compagno delle ultime stagioni, colui che probabilmente volle comprendere davvero l’umanità celata tra le foschie delle inadeguatezze pavesiane.

Il viaggio attraverso i “quattro quarti di luna” - figure femminili più rilevanti nella sua stessa esistenza, ne marca –forse inesorabilmente- il tragico destino. Tina Pizzardo, Fernanda Pivano, Bianca Garufi e Constance Dowling proferirono un “no” all’ipotesi di condividerne la vita.

I dialoghi con le protagoniste del “grande rifiuto” accenderanno una luce volta a mostrarci Pavese per ciò che realmente era, congelando i flash dei fotografi al premio strega in un ritratto dalle tinte crude ed essenziali e, proprio per questo, più amorevole e indulgente.

13 febbraio 2009 - Il Calapranzi

di Harold Pinter

Regia di Marco Belocchi

“The dumb waiter” ovvero “Il Calapranzi” scritto da Harold Pinter nel 1957, fa parte della prima stagione drammaturgica dell'autore, dove quasi tutte le opere sono metafora di un solo meccanismo, quello della violenza: sotterranea, quasi impalpabile, ma che manifesta con scatti improvvisi tutta la sua furia oppressiva.

Gus e Ben aspettano. Aspettano chiusi in uno scantinato che arrivi il loro uomo. Unico elemento di contatto con il mondo esterno: un “calapranzi”. Scendono ordinazioni improbabili, risalgono le poche sostanze che i due si erano portati per fare passare le ore d’attesa. Nessuno sa chi aspettino, né quando arriverà. Gus freme, si agita, ride, scherza, ingenuo e curioso. Ben, freddo, calcolatore, aspetta solo di compiere il suo dovere. Il tempo, in qualche modo, bisogna che passi, tra scene di tensione da thriller televisivo e discorsi comici fino a sfiorare le soglie del grottesco come nel miglior teatro di Harold Pinter. Un testo di denuncia, sulla violenza, sul potere, sull’impossibilità di sottrarsi al proprio destino. A cinquant'anni dalla sua stesura, Il Calapranzi continua a sfuggire alle maglie di un teatro di genere, ponendo interrogazioni senza tempo, che risuonano tra le mura di un sottosuolo. "A chi toccherà stasera"?

31 marzo 2009 - Paul Jackson Pollock, un desiderio che si chiama tela

di Antonio Luca Cuddè

Regia di Guglielmo Ferro

Prima Teatrale Nazionale

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Questa sceneggiatura assolutamente inedita, non vuole narrare la vita del pittore statunitense, bensì trasmettere le emozioni e le sensazioni di una coppia d’artisti Lee e Jackson, il loro legame fortissimo, tormentato e tormentante, il vivere nel loro quotidiano, “l’attraversare la vita insieme”, con le necessità economiche, sociali e sentimentali degli USA nel secondo dopoguerra. Lee la moglie dalle origini russe, donna che ama incondizionatamente, Pollock il pittore “nuovo” senza regole e senza miopie, Peggy Guggenheim eccelsa mecenate, faro per la cultura del secondo Novecento, sono personaggi veri fatti di carne e respiro e con loro gli altri personaggi da Tom e Irina amici e confidenti di Lee e Jackson, William figura del giornalismo che tanto ha dato alla cultura e all’informazione moderna, Ruth giovane studentessa infatuata del grande artista Pollock.

Il linguaggio non è stato imposto a questi personaggi, ma la loro stessa vita l’ha suggerito a chi ha scritto il testo, nessun arzigogolo, ma frasi schiette, forti, sincere.

Non devono essere narrati ma compresi; essi non raccontano, vivono.

La depressione e l’alcol di Pollock, i sacrifici di sua moglie, i piani d’arte di Peggy non sono spiegati, ma il pubblico li sentirà presenti con tutta la loro carica in scena, nella forza delle parole, nella realtà del palco.

C’è poco spazio per “la ragione” perché la pittura, l’arte, il teatro stesso non sono né razionali, né irrazionali sono come l’amore, sono al di là della ragione, sono emozioni, sono vita.

22 aprile 2009 - Le Furberie di Scapino

di Molière

Regia di Roberto Trifirò

Molière ha messo sulla maschera di brighella la maschera di Scapino e gli ha regalato per muoversi il set ideale per un maestro della messa in scena: Napoli. Infatti la pseudo ambientazione napoletana del fatto non è una licenza registica ma un’intuizione dell'autore. Quale migliore palcoscenico di questa città, dove la sua gente ha fatto del "Far recita un'arte". La finzione come gioco, ma anche come arte del sopravvivere. I suoi strumenti: le parole. E qual è il luogo ideale per definizione, dove celebrare il rito della finzione? Il teatro, che con le sue commedie e tragedie rappresenta la vita come un’intricata matassa di finzioni e mistificazioni. Ecco, forse, Scapino è il solo che abbia coraggio di esibire la sua maschera con la coscienza dell'onesto falsario, sapendo che tutto è gioco, finzione. Gioco come filosofia di vita. I sentimenti, i rapporti, privati e no, tutto, alla lunga si rivela come una grande mistificazione. Molière con Scapino e Don Giovanni stringe la mano a Shakespeare. Due grandi nichilisti. L'arte simulatoria di Scapino investe tutti i personaggi. Nessuno è sicuro dell'altro. Tutti recitano, più o meno bene, per gioco o per interesse: la passione del gioco, della sfida, dell'intrigo, la violenza dei rapporti, la comicità teppista e ribalda di Scapino ma anche dei torbidi e sordidi vecchiacci e dei giovani ribelli e furiosi. Sul fondo una malinconia, un malessere del vivere, una solitudine necessaria, fuga dai tempi, fumo di piccole storie quotidiane. "A’ farsa” diventa una morale, i burattini sono salutati come i campioni monumentali di un'umanità non più antiquaria e teorica ma che, immediatamente, ognuno può toccare con le dita.

20 maggio 2009 - Far Finta per Davvero

da Luigi Pirandello

Regia di Federico Grassi

Premio della Critica al Festival del Teatro di Milano - luglio 2008 Teatro Nuovo piazza San Babila

Letto con attenzione, ancora oggi e forse soprattutto ai nostri giorni, l’autore siciliano s’impone in tutta la sua modernità e potenza teatrale. Nessun altro autore ha espresso, e messo in “opera”, una riflessione così profonda e lucida sull’annosa antitesi fra vita e arte, problema centrale di tutta la produzione pirandelliana. L’intera opera del nostro drammaturgo, dietro la facciata dell’intreccio, del racconto, mostra quella che è stata definita esplicitamente una vera e propria “filosofia”, e gran parte della critica, per lunghissimi anni, ha sentito il bisogno di chiarire e di capire, prima che contemplare, ha cercato di dare una traduzione, una divulgazione letterale di quella filosofia. Certamente quei critici, e di conseguenza gran parte degli spettatori, hanno perso l’occasione leggera di stupirsi e divertirsi, emozionarsi ed arricchirsi, godendo della scrittura teatrale più incisiva, rivoluzionaria e potente di tutto il novecento. Una scrittura che “più teatrale di così, si muore”. Una scrittura che nasce “viva, sulle tavole del palcoscenico” e non in qualche studiolo dell’artista, una scrittura che ancora oggi nel nostro paese non ha espresso neppure la controfigura di ciò che possa definirsi un rivale.

orario spettacoli: 10.30